Dieci grandi artiste che hanno dato un grosso contributo al mondo dell’arte in generale e soprattutto alla land art e all’arte pubblica, dieci straordinarie artiste che hanno utilizzato la natura come tela e il corpo come mezzo espressivo.

La loro eredità e il loro impatto continuano a ispirare e a stimolare la riflessione sulla bellezza e la fragilità del nostro pianeta. Queste donne hanno lasciato un’impronta indelebile nel mondo dell’arte contemporanea, portando alla luce la connessione tra ambiente e creatività in una attività che spesso viene declinata, erroneamente, solo al maschile.

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Mary Miss, nata il 27 maggio 1944, è un’artista e designer americana. Il suo lavoro ha attraversato i confini tra architettura, architettura del paesaggio, ingegneria e urbanistica. Le sue installazioni sono di natura collaborativa: ha lavorato con scienziati, storici, designer e amministratori pubblici.  La sua capacità di coinvolgere il pubblico nella decodificazione dell’ambiente circostante è sorprendente.

Miss è considerata una pioniera nell’arte ambientale e nell’arte site-specific, così come una scultrice di spicco durante il movimento femminista degli anni ’70. Da sempre è interessata a mettere a fuoco gli attributi specifici di un sito insieme all’interazione del pubblico nello spazio pubblico.

Il suo lavoro crea situazioni che enfatizzano la storia di un sito, la sua ecologia o aspetti dell’ambiente che sono passati inosservati.

Ha lavorato su progetti diversi come la creazione di un memoriale temporaneo intorno al perimetro di Ground Zero, segnando il livello previsto di inondazione di Boulder, Colorado, rivelando la storia della stazione della metropolitana Union Square a New York City e in WaterMarks, il suo attuale progetto che crea un atlante dell’acqua per la città di Milwaukee.

Tra le sue opere più note c’è “South Cove” (1988), un progetto pubblico permanente a Battery Park, realizzato in collaborazione con l’architetto Stanton Eckstut e la designer di paesaggi Susan Child. Questo progetto ha sicuramente aperto nuove possibilità per gli artisti che lavorano nello spazio pubblico. In generale l’opera di Miss ha influenzato significativamente l’arte pubblica, promuovendo la comprensione del contesto ambientale e storico dei luoghi in cui opera.

2

Nancy Holt è stata un’artista americana che ha realizzato opere di scultura pubblica, installazione artistica, poesia concreta e land art. Ha anche lavorato con altri media, come il film e la fotografia. Holt è nata a Worcester, nel Massachusetts, nel 1938. Ha studiato biologia alla Tufts University e si è trasferita a New York City dopo la laurea nel 1960. Lì ha conosciuto l’artista Robert Smithson, con cui si è sposata nel 1963.

Holt ha iniziato la sua carriera artistica come fotografa e videoartista, ma il suo lavoro si è evoluto verso la land art, esplorando le relazioni tra luce, spazio e tempo. Nel 1974, ha collaborato con l’artista Richard Serra su Boomerang, un’opera in cui Holt ascoltava la propria voce che ritornava in cuffia dopo un ritardo temporale, mentre descriveva l’esperienza disorientante.

Holt ha creato anche altre opere site-specific e legate al tempo in luoghi pubblici in tutto il mondo.

Morta a New York City nel 2014, all’età di 75 anni, Nancy Holt ha lasciato un’impronta indelebile nell’arte della terra e ha influenzato le generazioni successive di artisti, dimostrando che l’arte può essere un medium per esplorare il mondo circostante.

Holt è più famosa per le sue opere ambientali su larga scala, Sun Tunnels e Dark Star Park. Queste opere sono state create in luoghi remoti e si basano sulle relazioni tra luce, spazio e tempo.

Dark Star Park (1979-1984), un parco-scultura ad Arlington, in Virginia, che comprende cinque sfere, due piscine, quattro pali d’acciaio, una scalinata, un grande tunnel per il passaggio e uno più piccolo per la visione. Il parco esplora il concetto di tempo e spazio e una volta l’anno, il primo agosto alle 9:32, le ombre delle sfere e dei pali si allineano con dei contorni di asfalto sul terreno;

Altra opera della Holt da citare è sicuramente Sky Mound (1988),  un progetto di riqualificazione di una discarica di 57 acri nel New Jersey, che prevede la creazione di una scultura-terra e di un parco pubblico. Il progetto include anche una serie di tubi che recuperano il metano dalla spazzatura sottostante e lo trasformano in energia alternativa.

3

Lita Albuquerque è una rinomata land artist che crea installazioni di grande scala che esplorano la relazione tra la terra e il cosmo. Le sue opere usano spesso materiali naturali come sabbia, argilla, pigmento e acqua per creare forme e motivi geometrici che contrastano con il paesaggio circostante. Nei suoi lavori Albuquerque incorpora anche elementi di astronomia, mitologia e storia per creare un senso di meraviglia e connessione con l’universo.

Una delle sue opere più famose è Stellar Axis, un progetto che ha coinvolto la collocazione di 99 sfere blu sulla calotta di ghiaccio antartica, allineate con le posizioni delle stelle nel cielo. Il progetto è stato completato nel 2006, dopo quattro anni di pianificazione e preparazione. È stata la prima e unica installazione artistica in Antartide che ha ricevuto il permesso dalla National Science Foundation. Il progetto mirava a creare un dialogo tra la terra e il cielo, e a riflettere sul posto dell’uomo nel cosmo.

Albuquerque ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti per il suo lavoro, dimostrando il potere dell’arte nell’ispirare la comprensione del nostro posto nell’universo

Alcuni dei lavori più significativi di Lita Albuquerque:

The Washington Monument Project (1980): Questa installazione ha guadagnato riconoscimento internazionale quando è stata presentata alla International Sculptural Conference;

Sol Star (1980): Questa installazione ed esposizione ha rappresentato gli Stati Uniti alla Biennale Internazionale del Cairo e ha vinto il prestigioso Premio della Biennale del Cairo;

Golden State (2002): Questa è la più grande commissione di arte pubblica nella storia del governo dello stato della California, un progetto di design della piazza che si estende per due isolati al centro del Capitol Area East End Complex a Sacramento;

Celestial Disk (2004): Una mappa stellare, scultura e cascata realizzata in collaborazione con l’architetto Robert Kramer, che fornisce l’ingresso principale alla Cattedrale di Nostra Signora degli Angeli, Los Angeles.

4

Alice Aycock, nata il 20 novembre 1946 a Harrisburg in Pennsylvania, è una scultrice e artista di installazioni americana.
È stata una delle prime artiste del movimento land art negli anni ’70 e ha creato molte sculture in metallo di grande scala in tutto il mondo. I disegni e le sculture di Aycock si possono definire come fantasie architettoniche e meccaniche che combinano logica, immaginazione, pensiero magico e scienza.

Aycock ha studiato al Douglass College nel New Brunswick, New Jersey, laureandosi con un Bachelor of Arts nel 1968. Successivamente si è trasferita a New York City e ha ottenuto il suo Master of Arts nel 1971 dal Hunter College, dove è stata insegnata e supervisionata dallo scultore e artista concettuale Robert Morris.

Il suo lavoro iniziale si concentrava sulle associazioni con l’ambiente. Spesso costruite nella o sulla terra, le sue sculture ambientali e l’arte dell’installazione affrontavano questioni di privacy e spazio interno, recinzione fisica e il rapporto del corpo con l’architettura vernacolare e l’ambiente costruito.
Le sue opere di land art si concentrano su situazioni “orientate all’obiettivo” ed esplorative per il pubblico, e le strutture stesse sono impermanenti a causa della mancanza di manutenzione.

Uno dei suoi lavori più noti di questo tipo è Maze (1972). Installato nella Gibney Farm vicino a New Kingston, Pennsylvania, Maze ha un diametro di trentadue piedi ed è costruito con cinque anelli concentrici in legno alti sei piedi con tre aperture attraverso le quali lo spettatore può entrare.
Una volta all’interno, il partecipante dovrebbe sperimentare disorientamento mentre attraversa il suo labirinto per raggiungere il suo centro, e provare un disagio simile quando esce.

Altri lavori di Alice Aycock:

“The Machine that Makes the World” è un’opera di Alice Aycock realizzata nel 1979,  composta da acciaio, legno, porte in acciaio, carrucole e un tamburo rotante, segna l’inizio del lavoro di Aycock nelle sculture e nelle installazioni pubbliche su larga scala. L’opera richiede una pazienza infinita per attraversare la serie complessa di cancelli ed il labirinto concentrico, aspettando che ogni elemento riveli gradualmente un’apertura attraverso la quale passare;

“The Miraculating Machine in the Garden (Tower of the Winds)”  è una scultura complessa e misteriosa che combina elementi naturali e tecnologici.

L’opera  alta quasi 5 metri ha una forma circolare con antenne, campane, tubi e luce al neon che si ispira ai vecchi forni e alla teoria dell’etere luminifero, una sostanza invisibile che si pensava trasmettesse la luce. L’opera si trova nella Douglass Library alla Rutgers University, dove fa parte della collezione permanente.

5

Ana Mendieta (18 novembre 1948 – 8 settembre 1985) è stata un’artista di performance, scultrice, pittrice e videoartista cubano-americana, nota per la sua opera d’arte “earth-body”, è considerata una delle artiste cubano-americane più influenti del periodo successivo alla Seconda Guerra Mondiale. Nata a L’Avana, Mendieta ha lasciato Cuba per gli Stati Uniti nel 1961.

Mendieta ha trascorso gran parte della sua carriera esplorando la congiunzione dell’ambiente costruito e della terra naturale. Nel suo lavoro ha spesso utilizzato il sangue, un simbolo potente sia di vita che di morte.

Il suo interesse per il femminismo è entrato nella sua arte subito dopo lo stupro di una studentessa del suo stesso campus. Da allora ha iniziato a indagare il tema dell’identità femminile e della sua percezione sociale.

Ecco alcune delle sue opere più famose:

Siluetas (1973-1980): Questa serie di foto e video documenta le performance di Mendieta in contesti naturali, specialmente in Messico. Le Siluetas sono create da terra, neve, ghiaccio, sassi, erba, foglie e fuoco, e riproducono una sagoma femminile;

Untitled (Rape Performance) (1973): In questa performance, Mendieta ha inscenato uno stupro nel suo appartamento, invitando professori e studenti a assistere. Quest’opera rappresenta una critica dell’artista alla notizia dello stupro e dell’assassinio di una studentessa nel suo stesso campus universitario;

“Isla” è un’opera d’arte creata da Ana Mendieta nel 1981 composta da una serie di fotografie che documentano una performance dell’artista cubana su un’isola deserta nel Golfo del Messico nel momento di realizzare una scultura di sabbia a forma di corpo femminile. L’opera esplora i temi dell’identità, dell’appartenenza e del rapporto tra l’uomo e la natura.

Ana Mendieta ha lasciato un’eredità duratura, dimostrando come l’arte possa essere un mezzo potente per affrontare questioni sociali e culturali.

6

Michelle Stuart è un’artista americana nata nel 1933, conosciuta per le sue sculture, pitture e opere d’arte ambientale.
Ha studiato in Messico, Francia e a New York presso The New School for Social Research. Da quando ha iniziato la sua carriera negli anni ’60, Stuart ha creato un corpus di opere che comprende grandi opere terrestri, complesse installazioni multimediali, disegni terrestri, dipinti encaustici, oggetti scultorei, disegni e stampe.

Nella prima fase della sua carriera, Stuart ha tratto ispirazione da fotografie allora pubblicate della superficie lunare.
Durante questo periodo, Stuart ha indagato altri mezzi per affrontare siti specifici attraverso le sue opere terrestri o, come lei le definisce, “disegni nel paesaggio”.

In “Niagara Gorge Path Relocated” del 1975, l’artista ha situato un rotolo di carta lungo 140 metri a cascata giù da un’alta riva del Niagara

Negli anni ’80, Stuart ha cambiato il suo focus intraprendendo una serie di dipinti a griglia che hanno introdotto cera d’api, conchiglie, fiori, foglie e sabbia incorporati in una superficie encaustica. Le opere di Stuart sfidano l’estetica minimalista e i materiali industriali, esplorando una connessione fisica con il sito e il prodotto della memoria.

Tra le opere iconiche, di questa superba artista, che possiamo ancora ammirare ci sono:”Scrolls” (1970-1976): una serie di rotoli di carta su cui l’artista ha impresso tracce di terra, sabbia, fiori e altri elementi naturali, creando delle mappe personali del paesaggio, creando un legame tra l’arte e la terra;

Sayreville Strata Quartet (1976), quattro pannelli di carta su cui l’artista ha applicato strati di argilla proveniente da una cava abbandonata, evocando la memoria geologica del luogo;

Stone Alignments/Solstice Cairns (1979), un’opera terrestre composta da pietre allineate in modo da segnare il solstizio d’estate e d’inverno, creando un legame tra arte e astronomia;

Flight of Time (2015-2016): una serie di dipinti a griglia che incorporano cera d’api, conchiglie, fiori e sabbia, riflettendo sul concetto di tempo e sulla sua rappresentazione visiva.

Michelle Stuart ha contribuito all’arte dell’ambiente, dimostrando che l’arte può essere un medium per esplorare il mondo naturale e condividere la propria visione con il pubblico.

7

Beverly Buchanan (8 ottobre 1940 – 4 luglio 2015), è stata un’artista afroamericana le cui opere comprendevano pittura, scultura, video e land art. È nota per la sua esplorazione dell’architettura vernacolare del Sud attraverso la sua arte. Ha creato opere d’arte come “shacks”, ispirate alle abitazioni delle comunità rurali povere del Sud degli Stati Uniti.

L’artista ha contribuito notevolmente ad onorare la storia dell’ingegno nero attraverso i suoi studi sull’architettura vernacolare e sull’arte popolare. Nei suoi lavori artistici ha esplorato la relazione tra memoria personale, storica e geografica e il luogo .

L’artista è nata a Fuquay, nel North Carolina, ed è stata cresciuta dalla sua prozia e zio a Orangeburg, nel South Carolina.

Ha trascorso molto tempo con suo padre durante i suoi viaggi di lavoro con agricoltori rurali, aiutandoli nei processi agricoli.
Si è laureata al Bennett College, un college storico per donne nere, con una laurea in Scienze della Tecnologia Medica nel 1962 e ha poi frequentato la Columbia University, dove ha conseguito un master in parassitologia nel 1968 e un master in sanità pubblica nel 1969.Nel 1971, si è iscritta a un corso presso l’Art Students League di New York City.
Buchanan ha deciso di diventare un’artista a tempo pieno nel 1977 dopo aver esposto il suo lavoro in una mostra di nuovi talenti alla Betty Parsons Gallery.

Tra le sue opere più famose ci sono “Ruins and Rituals” al Museum of Arts and Sciences di Macon, Georgia, parte di una serie di strutture in cemento che ricordano antiche tombe, e molte pitture e sculture sul “shack” una dimora rudimentale associata ai poveri.

8

Maren Hassinger, nata nel 1947, è un’artista e educatrice afroamericana con una carriera che si estende per quattro decenni.
Il suo lavoro esplora la relazione tra il mondo naturale e i materiali industriali attraverso scultura, film, danza, arte performativa e arte pubblica. hassinger utilizza materiali di uso quotidiano come funi di acciaio, sacchetti di plastica, rami, terra, giornali, rifiuti, foglie e scatole di cartone nelle sue opere.

Il  lavoro della Hassinger  si concentra su elementi o problemi sociali e ambientali che tutti condividiamo e nei quali tutti abbiamo un interesse. L’obiettivo dell’artista è che  il suo lavoro sia una dichiarazione umana e umanistica sul nostro futuro insieme.

Hassinger è stata formata come danzatrice e ha iniziato a realizzare sculture e arte visiva all’università. Nel 1973 ha conseguito il suo MFA in Fiber Arts alla UCLA  ed è stata direttrice emerita della Rinehart School of Sculpture presso il Maryland Institute College of Art per dieci anni. Attualmente vive e lavora a New York City.

La opere iconiche di Maren Hassinger

Twelve Trees (1978): Hassinger ha creato una serie di sculture a lato dell’autostrada, “Twelve Trees”, che ora fanno parte permanente delle collezioni di sculture della Cal State Fullerton;

Leaning (1980), che fa parte di una serie di tre installazioni di funi metalliche incentrate sul movimento, che include anche Whirling (1978) e Walking (1978), è composta da 32 fasci di fune metallica con estremità sfilacciate disposte sul pavimento. Questi fasci si inclinano in diverse direzioni, creando un campo visivo di movimento basso al suolo.

Ciascuna di queste opere incarna la pratica scultorea unica di Hassinger e il suo interesse per il movimento improvvisato. Riflettono anche il suo impegno nell’utilizzo di materiali non tradizionali e la sua esplorazione della relazione tra forme industriali e naturali.

9

Patricia Johanson, nata il 8 settembre 1940 a New York City, è un’artista americana conosciuta per i suoi progetti artistici su larga scala che creano habitat estetici e pratici per gli esseri umani e la fauna selvatica.

Johanson ha studiato arte al Bennington College (1958–1962) ed è diventata parte del mondo dell’arte di New York negli anni ’60.
Ha lavorato come ricercatrice per l’editore newyorkese Benjamin Blom su un compendio di artisti americani del XVIII e XIX secolo. Questo progetto le ha dato l’opportunità di catalogare l’opera di Georgia O’Keeffe.
I suoi primi dipinti e sculture fanno parte del Minimalismo, opere composte da linee semplici per esplorare gli effetti ottici del colore, degli anni sono state incluse in alcune delle prime mostre di Arte Minimale: “8 Young Artists” (1964), “Distillation” (1966) e “Cool Art” (1968).

I suoi progetti artistici funzionali, creati con e nel paesaggio naturale, sono progettati per risolvere problemi infrastrutturali e ambientali, ma anche per riconnettere gli abitanti delle città con la natura e con la storia di un luogo.
Questi progetti risalgono al 1969, rendendola una pioniera nel campo dell’arte ecologica (o eco-arte). Il lavoro della Johanson è stato anche classificato come Land Art, Environmental Art, Site-specific Art e Garden Art. 

Ma la Johanson è soprattutto famosa per i suoi progetti artistici di Land Art su larga scala che creano habitat estetici e pratici per gli esseri umani e la fauna selvatica. 

Alcuni esempi: Il Fair Park Lagoon,  Situato a Dallas, in Texas, commissionato nel 1981 per restaurare la Leonhardt Lagoon, gravemente degradata, di Fair Park. Qui, per risolvere i problemi della costa erosa, dell’acqua torbida e della fioritura algale, Johanson ha ideato grandi forme scultoree che spezzavano l’azione delle onde e ha selezionato piantagioni indigene come microhabitat per la fauna selvatica.

Le gigantesche sculture, di gunite (Calcestruzzo spruzzato) color terracotta, fungono anche da percorsi per visitatori umani e posatoi per uccelli e tartarughe, assumendo una forma simile alla Sagittaria platyphylla (La Patata del Delta) e alla Pteris multifida (La Felce Ragno).

Oggi Leonhardt Lagoon è un ecosistema funzionante nel cuore di Dallas, dove funge anche da luogo educativo e ricreativo. Questo è uno dei primi esempi di arte come biorisanamento;

Park for a Rain Forest (1992), ad esempio, è un’enorme scultura organica intrecciata con la giungla amazzonica.

Il progetto fornisce l’accesso pubblico a ogni livello della foresta pluviale. Mentre rampe, posti a sedere, passerelle e piattaforme panoramiche si insinuano tra gli alberi fino all’altezza di un edificio di quindici piani, il giardino verticale si rivela con le sue comunità di vita uniche ad ogni livello: orchidee e farfalle, labirinti di viti, scimmie chiacchierone, pipistrelli, iguane, raganelle, bradipi, tucani, avvoltoi reali e aquile arpie.

La scultura non altera né distrugge l’ecosistema esistente, ma rivela la foresta concentrandosi sulla complessità e le minuzie della natura, consentendo la ricerca scientifica, l’esplorazione e la scoperta in una zona dove uomo e natura coesistono.

L’arte della Johanson è diventata il centro spirituale, poi,  nella creazione della Petaluma Wetlands Alliance, un gruppo no-profit dedito al ripristino e alla protezione dello Shollenberger Park di Petaluma, dell’Alman Marsh e di altre zone umide della zona.
Per Johanson, il progetto, fu  un momento di connessione con il senso del luogo che ha influenzato la sua arte civica ambientale su larga scala dall’Asia all’Africa e oltre.

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Jody Pinto, nata nel 1942 a New York City, è un’artista ambientale americana riconosciuta a livello internazionale per le sue opere pubbliche site-specific. Ha realizzato oltre 40 collaborazioni in tutto il mondo, tra cui Stati Uniti, Giappone e Israele. Come attivista femminista, ha fondato e partecipato attivamente per quattro anni all’organizzazione conosciuta come WOAR, centro di crisi per le vittime di stupro Women Organized Against Rape.

Pinto è nata in una famiglia di artisti e ha proseguito questo retaggio sia con la sua formazione che con il suo attivismo.

La sua formazione artistica è avvenuta alla Pennsylvania Academy of the Fine Arts e al Philadelphia College of Art.
Le sue prime opere esplorano la natura attraverso performance di lavoro come “Triple Well Enclosure” del 1976.

Tra le sue opere più note, “Fingerspan” del 1987 è un recinto metallico lungo 17 metri che collega due scogliere insieme. Nel 2000, ha creato “Light Islands” a Tokamachi City, in Giappone, un’installazione composta da tubi di fibra di vetro illuminati da fibre ottiche interne.

La Pinto ha insegnato per 40 anni alla Pennsylvania Academy of the Fine Arts, dove ha avviato il primo programma di visiting artist per portare artisti contemporanei a parlare alla scuola.